Автор – Александр Бойко.
Август 2019 года.
Постараюсь оформить здесь в виде поста несколько соображений о взаимодействии искусства (преимущественно живописи) и технологий. Изобретение в XIX веке фотоаппарата (а позже – и кинематографа) дало, с одной стороны, огромные возможности для облегчения работы художникам, но с другой – со временем направило их по ложному пути. То же самое можно сказать о достижениях компьютерной графики в конце XX – начале XXI вв., но к этому мы ещё вернёмся. Каким же именно образом технологии повлияли на позицию художников XX века и далее и на сущность современного искусства в целом?
Итак, первое, что бросается в глаза – возможность более или менее достоверно фиксировать реальность при помощи технических средств освобождает художника от необходимости тратить сутки, недели, месяцы и годы у холста, чтобы воплотить задумку. Но какой вывод из этого делает практически всё искусство XX века? Дескать, нам больше незачем фиксировать реальность ВООБЩЕ, давайте займёмся поиском новых форм и сосредоточимся на внутренних переживаниях! Отсюда при попытке анализа ситуации делаются занятные, но в целом бесперспективные умозаключения по типу «цель искусства — фиксировать сновидения, пока это напрямую не будет доступно для техники» и т.д. При этом их авторов не волнует ни тот факт, что внутренние переживания сами по себе, в отрыве от выражающих их конкретных форм — невозможно передать непосредственно другому человеку (а если с развитием технологий и станет возможно, то это уже не будет искусством), ни то, что прямое изображение реальности, в общем-то, никогда целью искусства и не являлось! С самого своего появления, после отделения от культовых и прочих функций, искусство реальность всегда идеализировало, давало представление о человеческих характерах, осмысляло мифологические сюжеты и т.д. Фиксирование сновидений с такой позиции становится очевидно бессмысленным: ведь что такое сновидение, как не информация, полученная из окружающей действительности и обработанная нашим мозгом? И разве искусство — не то же самое, только полученное более осознанным образом, а следовательно, и предоставляющее художнику больше свободы творчества? Зачем тогда вообще нужна эта дурацкая тавтология? Ещё смешнее выглядят заявления вроде «фотография — не искусство, так она только копирует реальность/в её создании не участвует человек». Ну тогда в звании искусства придётся отказать целым жанрам живописи — таким, как пейзаж и натюрморт — и я с этим даже отчасти согласен (но только в контексте современности, когда фотоаппаратура делает бессмысленными усилия по их отрисовке)! Чтобы не тратить время на расписывание целей искусства и не уходить в дикий оффтоп, по этой теме читать здесь и здесь.
Вернёмся, однако, к нашим баранам. Как сегодня могут взаимодействовать технологии и искусство, чтобы оно при этом сохраняло свою художественную ценность? Один из возможных примеров такого взаимодействия – создание специализированных программ, содержащих в себе готовые модели человеческого тела, окружения и т.д. — с возможностью их модификации, которые художник, расположив их в порядке, отвечающем задачам сюжетного и композиционного замысла, сможет уже дорисовывать вручную (используя при этом по желанию реальные или виртуальные инструменты), доводя свои произведения до уровня высших академических шедевров. Здесь готовые шаблоны используются только как эскизы для дальнейшей работы, избавляя художника от необходимости отрисовывать каждый эскиз ручками, тратить время на подбор моделей и т.д., но не подменяя при этом всю работу. Кстати, для этой же цели можно использовать и фотографии (подбор локаций, лиц и проч.). Кое-какие возможности в этом плане дают некоторые плагины для Blender — к примеру, тот же Face Builder, но надо изучить тему поподробнее. В какой-то степени здесь правы были фотореалисты, введя фотографию в качестве основы для будущей картины, но они совершенно не понимали главного — целей искусства. По крайней мере, они были ближе к истине. чем борцы с реализмом — хотя сюрреалистические и прочие модернистские элементы вполне могут присутствовать в работе, если автор не ставит на них главный акцент и не пытается выдать само их наличие за признак шедевральности. Мне лично доводилось наблюдать в одном из художественных пабликов ситуацию, когда автора реалистичных портретов упрекали в том, что он просто копирует реальность, и как же ему предлагали увеличить долю оригинальности своих работ? Добавить на картину «какую-то фантастику»! Удивительно, как этот пример иллюстрирует отсутствие у современнных художников качества, именуемого однокоренным термином по отношению к фантастике — а именно фантазии! Но мы опять отвлеклись от темы. Выше говорилось о том, что художник должен будет вручную доводить готовые шаблоны до совершенства, но так ли это обязательно, в XXI веке? Ведь даже доведение эскиза до совершенства может быть прописано заранее в настройках, но для этого всё равно нужно представление о том, как это самое совершенство должно выглядеть, что подразумевает и художественный вкус, и мастерство построения композиции, и самое главное, из чего вытекает всё остальное – глубокое знакомство с историей искусства и с лучшими образцами мировой живописи. Таким образом, данный подход позволяет научно-техническому прогрессу выполнять свою основную функцию по улучшению жизни людей и по облегчению человеческого труда, и в то же время задаёт искусству достаточно высокие рамки, не подпускающие к нему откровенных бездарностей, оправдывающих свою творческую импотенцию «особенным видением», «чувствительной натурой», «поисками нового» и тому подобной лабудой. Другой вопрос — как преодолеть сам спрос на бездарностей?
Есть также пара соображений по поводу источников вдохновения для сюжетов, но это тема для отдельной статьи.